La fotografía del arte. Manejo de la obra y control de la iluminación. Primera parte

Por Fernando Osorio Alarcón

Una tarea de excepcional interés para el fotógrafo profesional es hacer imágenes de obras de arte. El fotógrafo debe reunir dos características en esta función de la fotografía: una, ser fiel a la obra reproducida (reprografía de alta resolución) y por otro lado trasladar en su imagen fotográfica el encanto y valor estético de la obra de arte.

La fotografía del arte se realiza para tres campos del conocimiento, el diseño editorial de catálogos para exposiciones y colecciones de museos y galerías, libros sobre la estética e historia del arte, y la documentación museológica en donde se debe incluir los registros fotográficos científicos para las bitácoras de conservación y restauración de las obras de arte.

La labor del profesional de la imagen en esta función de la fotografía implica un amplio conocimiento y control de la iluminación, así como de un manejo integral de la seguridad de la obra de arte. La mayoría de la veces el fotógrafo trabaja en salas de museos y galerías, y las menos, en los estudios fotográficos, inclusive aquellos de los museos, si existiesen. Al respecto, es importante subrayar algunas consideraciones y reflexiones sobre esta función específica de la fotografía profesional.

Manejo de la obra de arte

La seguridad en el manejo y manipulación de la obra de arte para su reprografía implica una labor integral entre el fotógrafo y el curador de la colección o exposición. Sin una relación simbiótica entre estos dos profesionales los resultados finales dejarían mucho que desear. La relación debe contar con un esquema y agenda de trabajo muy precisos.

Baste mencionar algunos elementos que el curador deberá proveer al fotógrafo:

listado de la obras por fotografiar.

dimensiones de cada obra.

técnicas pictóricas y de manufactura de las obras.

ubicación y croquis de la planta arquitectónica del área de trabajo para cada toma.

(¿las obras están concentradas en un sola sala?, ¿o en varias? o ¿todas las obras se trasladarán a una zona previamente acondicionada para la toma fotográfica?)

identificación de tomas de corriente eléctrica en el área de la toma

acreditación del fotógrafo y su equipo humano ante custodios y vigilantes de la institución

calendario y horarios de trabajo.

Con estos siete puntos básicos, que pueden ser más, el fotógrafo podrá diseñar su ruta crítica, que a su vez deberá entregar al curador. La ruta crítica es un plan de trabajo en donde se plasmará el desarrollo y estrategias de las tomas. Por otro lado, con los siete puntos básicos, el fotógrafo podrá administrar y preveer las soluciones de reprografía para cada obra. Es importante que el fotógrafo estudie con anticipación cada obra y obtenga una idea muy clara de la problemática que presenta cada caso.

Sin embargo, se debe apuntar que el fotógrafo requiere siempre de la presencia del curador, comisario o sus respectivos asistentes, durante la toma; así como de personal de conservación para el manejo de la obra, su desplazamiento o colocación en atriles, bases o caballetes. Hay que recordar que, en la mayoría de los casos; el fotógrafo es un profesional en libre ejercicio de su profesión (free lance) y por lo tanto expresamente contratado para realizar un trabajo en un espacio museológico y sus responsabilidades deben estar limitadas al trabajo propio de la toma. Estos detalles se olvidan en los contratos de trabajo y se pasan por alto las responsabilidades límite de cada parte. Esto quiere decir que el manejo y manipulación de la obra debe estar a cargo de los custodios de la misma y no del fotógrafo.

El control de las fuentes de iluminación

El fotógrafo debe mantener un estricto control del sistema de iluminación que utilizará, la seguridad y estabilidad de su equipo profesional y la coordinación del personal que lo asista.

Es importante recordar que todo tipo de luz deteriora los objetos con valor cultural y es sólo a partir de la correcta administración de la luminotecnia que se alcanza administrar el deterioro ocasionado por la luz. El fotógrafo debe estar consciente de esta medida de conservación y por ello es recomendado utilizar sistemas de iluminación exentos de radiación ultravioleta, como son los sistemas de luz incandescente con base en cuarzo halógeno y tungsteno.

Estas fuentes de iluminación son ricas en calor y su temperatura de color se situa entre los 3200° y 3400° Kelvin. La ventaja de este tipo de fuentes es que son baratas y se pueden controlar con facilidad. Estos sistemas son conocidos como fotolámparas para uso fotográfico no. 1 y no. 2 (de 250 watts y 500 watts respectivamente). Todo foco incandescente cuenta con un filamento. Este recibe la energía al momento de encender el foco y experimenta un pico de tensión que se estabilizará en unos 90 segundos después de ser activado el foco. Por lo tanto, es recomendable utilizar un tablero de controles con apagadores-atenuadores (también llamados reostatos) con el fin de precalentar el filamento con voltaje menor al existente en la toma de corriente. De esta manera el filamento recibirá incrementos paulatinos de voltaje hasta alcanzar el voltaje adecuado para su funcionamiento. El foco no entrará en tensión pico y su desgaste será menor, homogéneo y la vida del foco se alargará considerablemente. Con relación al calor emitido por estas fuentes, éste se reducirá al no estar encendidas en su totalidad y de golpe. La intensidad total se utilizará exclusivamente cuando se exponga la película y no antes y mucho menos en las tareas de arreglo de la toma y enfoque.

El control de estos sistemas de iluminación es relativamente fácil. Como todo foco común, la mayor intensidad de luz se localiza en el centro del foco, donde el filamento está cercano a la bombilla. En esa dirección habrá más intensidad de luz. El uso de difusores de vidrio térmico (Pyrex®) o acrílico despulidos, o de papel plastificado como el papel tipo herculene (de uso frecuente en el diseño arquitectónico), difunden con eficiencia la intensidad de las fotolámparas. Se recomienda que a los difusores se adhieran (en forma de sandwich) tres o cuatro circulos concéntricos del mismo material difusor para dispersar con mayor eficiencia la intensidad del filmanto.

Para controlar estas recomendaciones, el fotógrafo deberá auxiliarse de un instrumento que mida la intensidad de luz en el área del objeto a tomarse. Este instrumento es un luxómetro, instrumento muy parecido a un exposímetro, pero que no calcula relaciones de apertura de diafragma con valores de tipo de exposición a una intensidad de luz dada. El luxómetro tiene la única función de medir la intensidad de la luz que proviene de la fuente de iluminación y que cae en una unidad de área (metros cuadrados, por dar un ejemplo).

La importancia de usar un luxómetro es para que el fotógrafo sepa que no está rebasando la recomendación internacionalmente adoptada para fotografiar objetos de museo y que se ubica en 1000 luxes. Se ha comprobado que emulsiones fotográficas a color balanceadas para el uso de fuentes de iluminación de tungsteno responden eficientemente a una intensidad de 650 luxes emitidos por cuatro fotolámparas de 250 watts con difusores de papel herculene y en un arreglo de luz polarizada cruzada.

El uso del luxómetro en la fotografía de arte se ha convertido en una herramienta indispensable no sólo por el control de la intensidad de iluminación que le brinda al fotógrafo, sino porque es el principal vector para garantizar la administración de luz a una obra de arte, es decir, para mantener una norma que asegure la integridad del objeto por fotografiarse. (Fin de la primera parte)

Para aprender más

Bibliografía recomendada para su consulta:

Langford J. Michael, Tratado de Fotografía, Un texto avanzado para profesionales, cuarta edición. Editorial OMEGA, Barcelona, 1986.

Thompshon, Garry. The Museum Environment. Second Edition, Butterworths, Londron, 1986.

Collins, Sheldan. How to Photohraph Works of Art. ASSLH, Nashville, 1986.